The city’s most trendy contemporary art galleries, the night life of the most fashionable generation, the most exclusive restaurants. We are in Chelsea, the liveliest and trendiest area of downtown New York. An area that is so extensively devoted to art and avant-garde that one week wouldn’t be enough for visiting its galleries and museums, a total of 250. Chelsea is also the shrine of glamour: a myriad of small sparkling worlds that blend with one another creating an explosive cocktail, enough to make one’s head spin. In the past twenty years, gradual restoration has radically transformed the neighbourhood, once the center of the garment and retail district, an elegant shopping area for the most refined gentlemen of the 19th century until becoming an art district full of atmosphere for art connoisseurs and not only. In this interesting crossway made of luxury, excellent universities and lush parks, the Chelsea Art Museum acts as a catalyst for all this energy. The approach "art with a context", has created a detailed program of exhibits that reflects the contemporary human experience through a broad spectrum of social, environmental and cultural activities. This 30 thousand square meter museum occupies a three story red brick building dating back to 1850, and is located on a piece of land that once belonged to the writer Clement Clarke Moore. Known for its openings, it is often invaded by highly courted artists, ruthless critics and wealthy collectors. Co-founder and president, Dorothea Keeser, describes the CAM as "a commitment for living art as an entity that reacts and interacts with us and changes the way we continue to live our daily life”. The permanent collection is mostly devoted to post-war abstract expressionism with artworks by both national and international artists. The collection includes works by Antonio Corpora, Laszlo Lakner, Jean Arp, Ellen Levy. The museum also hosts the Miotte Foundation, dedicated to archiving and conserving the oeuvre of Jean Miotte, a Soho artist who played a preeminent role in Informel Art.
Le gallerie d’arte contemporanea più trendy della città, la vita notturna della generation più modaiola, i ristoranti più esclusivi. Siamo a Chelsea, il quartiere di tendenza più effervescente di New York, a Downtown. Un’ area talmente estesa dedicata all’arte e alle avanguardie che non basterebbe una settimana per visitare gli spazi espositivi, in tutto 250. Chelsea è anche il tempio del glamour, traboccante di club, cocktail bar, firme prestigiose dell’alta moda: una miriade di piccoli mondi scintillanti che si mescolano tra loro creando un cocktail esplosivo, tanto da far girare la testa. Negli ultimi venti anni, un graduale restauro ha trasformato radicalmente questo quartiere, un tempo centro dei tessuti e delle vendite al dettaglio, ricco emporio per i gentleman più raffinati della fine del XIX secolo, fino a diventare una delle aree più creative e ricche di atmosfera per appassionati d’arte e non. In questo crocevia fatto anche di lusso, ottime università e lussureggianti parchi, il Chelsea Art Museum funge da catalizzatore di tanta energia. L’approccio “art with a context”, dà vita a un accurato programma di mostre che riflettono l'esperienza umana contemporanea attraverso un ampio spettro di attività sociali, ambientali oltre a scambi culturali. Questo museo di 30 mila mq occupa un edificio di mattoni rossi a 3 piani, risalente al 1850, e sorge su un terreno che un tempo apparteneva allo scrittore Clement Clarke Moore. Noto per i suoi vernissage, è frequentemente invaso da corteggiatissimi artisti, spietati critici e facoltosi acquirenti. Il Co-fondatore e presidente, Dorothea Keeser, descrive il CAM come "un impegno a vivere l'arte come un soggetto che reagisce e interagisce con noi e modifica il modo in cui si continua a vivere la propria vita quotidiana". L’esposizione permanente è in prevalenza dedicata all’espressionismo astratto del dopoguerra con opere di artisti nazionali e internazionali. La collezione conta opere di Antonio Corpora, Laszlo Lakner, Jean Arp, Ellen Levy. Il museo è anche sede della Miotte Foundation, che si occupa dell’archiviazione e conservazione delle opere di Jean Miotte, un’artista di Soho che ha rivestito un ruolo preminente nel genere dell’Informel Art.
C’è chi gioca con i materiali elettrici e gli ingranaggi meccanici e chi con vernici e graffiti. Chi pensa a fotografare l’attimo fuggente, e chi a manipolare la materia nuda e cruda. In mezzo, uno spaccato della scena contemporanea italiana fatta di creatività, estro, sudore, polvere e lampi di genio. Sono i vincitori selezionati dal Premio Terna, elettrizzati dalle esperienze fatte nei mesi successivi alla premiazione e ora pronti alla nuova sfida: conquistare New York. Se per alcuni la Grande Mela è un frutto ancora da cogliere, per altri è già addentato, assaporato. Un frutto di cui tuttavia non si è mai sazi.
E’ la continua ricerca su sé stessi e sul mondo la molla che spinge il percorso artistico di Antonio Riello, Davide Bertocchi e Giovanni Albanese: tutti accomunati dalla voglia di sperimentare nuovi linguaggi e di aprirsi ad orizzonti più vasti. Premiato per l’opera "Un disperato tentativo del vizio di diventare virtù", Antonio Riello lavora più all’estero che in Italia: ha lasciato tracce di sé non soltanto a New York ma anche in Olanda, Inghilterra, Austria, Germania, Svizzera. A Riello piace rimescolare, artisticamente, le cose e mettere assieme aspetti della vita che normalmente, o almeno la consuetudine così vuole, dovrebbero restare lontani. Così in questo caso il vizio, il gioco d’azzardo, tema della sua creazione: “la costruzione con le circa 6400 carte ha evidentemente costituito una sfida piuttosto impegnativa, per me e per i miei assistenti. Ma ancora più difficile è stato procurarsi le carte da gioco usate provenienti dai casinò e soprattutto dalle bische clandestine. Ho dovuto più volte improvvisarmi giocatore incallito facendomi raccomandare da giocatori e bari”. Anche Davide Bertocchi è un globe-trotter della contemporaneità artistica. Gli anni della formazione l’hanno visto sempre con la valigia in mano tra Milano, Parigi, Londra, New York e Los Angeles, impegnato in un virtuoso percorso di apprendistato teorico e pratico che lo porterà a vivere l’arte “sul campo”. Davide non è nuovo al pubblico americano: nel 2000 era già stato selezionato tra i 10 artisti italiani per lo Studio Program del PS1-MoMa di New York. “L’opera con la quale ho partecipato è una foto - spiega l’artista premiato nella categoria Megawatt per “Endless” -ma in realtà è un progetto scultoreo e utopico. Nell’insieme sono una serie di immagini scaricate da Internet di razzi famosi e dei quali ho manipolato la forma in modo da ottenere una struttura rotante e potenzialmente molto dispersiva a livello energetico. In questo modo, tramite queste nuove forme, penso si possa riconsiderare la nostra idea di progresso e di energia. Il lavoro ha soprattutto una componente esistenziale e vorrei che facesse riflettere su quanto in realtà molte azioni umane contemporanee sia dominate da una totale inutilità”. Giovanni Albanese, è invece “l’apprendista stregone” del gruppo, che poi tanto apprendista non è visto che cavalca la scena artistica da più di 30 anni, continuando a mescolare linguaggi e stili: dalle installazioni ai tableaux vivants, dalle decorazioni al cinema. Albanese, premiato per l’ombrosa luminosità di “Eclissi”, sprizza energia da tutti i pori . “L’idea solitamente nasce come espressione di un intimo personale e invece, più vai avanti, conosci il sistema dell’arte, e ti apri alla vita e più il tuo lavoro migliora – spiega Albanese, raccontando il suo approccio all’arte contemporanea-. L’artista è una specie di Frankenstein. Ha un corpo disgregato. Ti accorgi che mentre le mani vanno da una parte, la testa è già da un’altra, le tue pulsioni pure. E tutta questa e-ccentricità del proprio corpo, nel senso di diversi centri, viene paradossalmente tenuta insieme da una forza magnetica, elettrica. Smentisco tuttavia l’aspetto bohemien della professione. Genio e sregolatezza appartengono solo a fumettoni rosa di serie B. L’artista è una persona con un grande senso della realtà, della fatica, del lavoro.”
Agguerriti, entusiasti, quasi increduli, i Gigawatt sono pronti a cogliere il meglio dell’esperienza oltre oceano. Il piccolo genio della street-art, Davide Eron Salvadei, non è nuovo di New York: nel 2000 ha creato una serie di disegni per una linea di abbigliamento \"OUTLINEZ\" insieme a Phase 2, l'artista che nel 1970, inventò lo street writing. Davide, premiato per \"Untitled\", spiega così la sua opera: “come per la maggior parte dei miei lavori realizzati a smalto spray su tela, sono partito dalla trasformazione di un segno gestuale, istintivo, quasi ingenuo, tipico dell’espressività infantile, in un elemento concreto, tangibile, in stretta relazione con il contesto reale; giungendo così ad un trait d’union tra disegno e realtà; dove pensiero e leggi fisiche interagiscono diventando complementari e compatibili”. C’è poi chi, come Rocco Dubbini, ha un rapporto privilegiato con il concetto di energia, capace di superare tutte le barriere e di andare oltre i confini nazionali. “Termosifone acceso” è l’opera premiata da Terna. “Mi interessa il concetto del termosifone che diventa archetipo – spiega- un qualcosa investito di un valore che diviene assoluto in senso temporale. In questo caso però, essendo il termosifone di cera accesa, esso si consuma, non sublimando il concetto di eternità insito nell’archetipo”. Riccardo Albanese, premiato per \"Untitled\" , una girandola piumata delle meraviglie, più che una svastica, ama osservare “le costanti del comportamento umano, che si manifestano nelle realtà quotidiane,per strada, nei contesti lavorativi,in un bosco, ovunque. Tutto ciò che non cambia nei secoli e che si ripete armonicamente nel tempo,nel bene e nel male. Io credo molto nel mio istinto – spiega - e lo seguo ciecamente, osservo le situazioni di tutti i generi, le dimentico, poi dal nulla mi vengono delle idee chiarissime, quindi le realizzo. L' opera rappresenta un ossimoro,due affermazioni contrastanti che portano alla stessa conclusione, una svastica e delle ali, una simbolo di tirannia, l'altra libertà. Tutto ciò che ti fa sentire libero ti rende schiavo, più libertà uguali sono la schiavitù per altri, l'altra faccia della democrazia, motore del tempo”. Experience, observation, imagination sono invece le parole chiave per definire la ricerca artistica di Giovanni Ozzola, premiato da Terna per la fotografia \"Two stories addiction\". “Parto sempre da un’immagine, da un’epifania per dir meglio. Dopo la visione – spiega – si tratta esclusivamente di dar corpo al lavoro. Tecnica e mezzi sono per me, di poco interesse. Ciò a cui davvero tendo è il risultato. E’ vero che quando usi un mezzo, devi rispettarlo e conoscerlo ma bisogna tener sempre conto che il mezzo non e’ il fine”. Grande giramondo e attento osservatore, anche Gabriele Giugni, che ha realizzato numerosi servizi fotografici dall’India, Bolivia, Kashmir e Birmania. “I miei interventi sono non tanto sulla fotografia ma sui supporti – racconta Gabriele, illustrando la propria opera-. Di solito intervengo sulla carta su cui stampo o sul materiale su cui poi applico la foto. Nel caso di Kumbh-mela night si tratta di una foto retroilluminata, una tecnica che mi segue fin dalla mia prima mostra nel 2006. E’ diventata ormai una specie di firma per me e mi piace perché rompe la bidimensionalità tipica e limitante della fotografia. Grazie alla luce si riesce a dare alla foto qualcosa in più: una certa profondità, delle vie di fuga. A parte lo scatto, ho cercato in questo caso di tirare fuori il senso del vagabondaggio, dell’esodo, e il senso della sterminatezza con cui l’uomo si confronta”. Antico nell’animo ma giovane nel fisico è invece il modo con cui ama definirsi Gabriele Bonato, un Benjamin Button dell’arte contemporanea, che ama sperimentare il nesso tra spirito e materia. “L’opera è un olio e tempera grassa su tela – spiega l’artista premiato per “Energia: soffio vitale\", un originale olio su tela -. Sono partito dal tema energia,come fonte o causa prima di ogni manifestazione vitale che s'incarna nella materia. Da qui l'idea di proporre un'immagine filosofica sul concetto d'amore, di luce, d'energia sublime, utilizzando mezzi e materiali che si ricolleghino visivamente al progetto. Dopodiché ho creato un'istallazione in continua trasformazione: due lampade, una accesa ed una spenta, legate l'una all'altra da una materia primordiale, simile ad una radice, una pietra”.
Elena Baldelli, Laura Cantarella, Raffaela Mariniello. Ecco l’altra metà della Mela. Sospese “nella fluidità luminosa dell’aria e acqua”, come la giovanissima Elena Baldelli, o avvolte “dall’energia distruttrice e generatrice” della propria forza creativa, come Laura Cantarella, e ancora esplosive e inquisitive dietro la lente fotografica, come Raffaela Mariniello. Tre esempi di arte contemporanea al femminile, tutte “made in Italy”. Elena Baldelli si trova di fronte a una grande sfida e una grande opportunità. Riuscirà a conquistare il pubblico americano? L’opera premiata nella categoria Gigawatt, il light box "Rx-underwaterbreathing-#1oscillating rhythm" sembra avere tutte le carte in regola. “La spinta che ha fatto nascere un intero discorso fluttuante tra aria e acqua è la necessità – racconta l’artista-. Identità liquida, la definirei, che non è solo un fatto di appartenenza locale, l’essere nata e vissuta in un porto di mare, non è il coincidere del proprio corpo nel luogo degli eventi, delle esperienze di vita accompagnate dall’umidità, ma è il portarsi dietro un elemento che è nella testa e nel corpo come un’ossessione, attitudine di tutti coloro che materializzano le proprie visioni per mezzo del liquido, diventato una poetica specifica”. New York rappresenta una tentazione continua anche per chi, come Laura Cantarella, non è nuova ad ambienti dal forte impatto visivo. La fotografa free-lance d’architettura, territorio e reportage, cerca sempre di mettere in relazione l’ambito culturale con quello architettonico. “Il lavoro presentato fa parte di un più ampio progetto – spiega l’artista che ha già esposto, nel 2006, al Pratt Institute di New York e che è stata selezionata tra i Megawatt per la fotografia “Etna” -. Il progetto, intitolato Topografia del Trauma, è stato sviluppato con l’architetto Lucia Giuliano e comprende una serie di fotografie e contributi incentrati su luoghi interessati da eventi traumatici. Il trauma, energia distruttrice e generatrice, è un paradigma in grado di spiegare pratiche urbane e territoriali attuali. Ci sono delle immagini che si progettano, si cercano. Il soggetto della fotografia presentata al concorso invece è un objet trouvé”. Anche Raffaela Mariniello è stata contagiata dal mood artistico della Grande Mela. Vede infatti prospettive più interessanti negli USA, “più preparati e maturi” rispetto ad altri Paesi. Raffaela, premiata nella categoria Megawatt per la foto "Souvenir d'Italie", considera l’artista “un bambino che cresce e che non smette mai di giocare”. L’opera presentata in concorso fa parte di un lavoro iniziato già da qualche anno e ancora in corso d’opera. “Sono delle immagini su i centri storici delle città italiane – spiega- in cui si evidenzia la trasformazione dei luoghi preda del turismo di massa. Dunque il processo creativo è frutto di una riflessione sul paesaggio urbano. Fotografo spesso all’imbrunire, mescolando la luce artificiale a quella naturale ottenendo così delle situazioni spiazzanti alla percezione, quando cioè, sono fissate sulla stampa fotografica”.
Some experiment with electric materials and mechanical gears and others with paints and graffiti. Some think of photographing the fleeting moment, while others, manipulating raw materials. An overview of the Italian contemporary scene made of creativity, inventiveness, hard work, and a stroke of genius. These are the winners selected by the Terna Prize, electrified by the experiences made in the months following their being awarded and now ready to meet the new challenge: conquering New York. If for some the Big Apple still remains a fruit to be picked, for others it has already been bitten and tasted. A fruit which one can never have enough of.
This represents the continuous and ongoing search on oneself and on the world, the spark that moves the artistic path pursued by Antonio Riello, Davide Bertocchi and Giovanni Albanese: all joined by the wish to experiment with new languages and to open onto new vaster horizons. Awarded for the artwork "Un disperato tentativo del vizio di diventare virtù", Antonio Riello works abroad more than he does in Italy: he left traces of his work not only in New York, but also in The Netherlands, the UK, Austria, Germany and Switzerland. Riello likes to artistically remix and blend things combining aspects of life that normally, or as habit wants, should be distant from one another. In this case, vice or gambling, the theme of his creation: “the building made of nearly 6400 cards represented a difficult challenge both for me and my assistants. But it was even more difficult to find the used cards coming from casinos and above all from clandestine gambling dens. More than once I had to improvise being a hardened gambler being recommended by other gamblers and cheats”. Davide Bertocchi is also a globe-trotter of artistic contemporariness. During his early years he lived out of a suitcase between Milan, Paris, London, New York and Los Angeles, involved in a virtuous path as a theoretical and practical apprentice that led him to living art “on the field”. Davide is not new to the American public: in 2000 he had been selected among the 10 Italian artists for the Study Program of the PS1-MoMa in New York. “The artwork I participated with is a photograph - explains the artist awarded for the Megawatt category for “Endless” –but in reality it is a sculptural and utopian project. All together they are a series of images downloaded from the Internet of famous rockets whose shape I manipulated so as to obtain a rotating structure that was potentially very dispersive at the energy level. In this way, through these new forms, I think we can reconsider our idea of progress and energy. The artwork has a predominantly existential component and I hope it will provoke reflections on how actually many contemporary human actions are dominated by total uselessness”. Giovanni Albanese, instead, is the group’s “sorcerer apprentice”, who in reality is not so much a sorcerer since he has been active on the artistic scene for over 30 years continuing to mix languages and styles: from installations to tableaux vivants, from decorations to film. Albanese, awarded for the shadowed brightness of “Eclissi”, bursts with energy from all his pores. “The idea usually is created as an expression of a personal intimacy, but instead, as one goes on, one learns more about the art system and you open up to life; as a result, your work benefits from this – explains Albanese, talking about his approach to contemporary art- the artist is a sort of Frankenstein. His body is disunited. While his hands are moving in one direction, his head is already somewhere else and so is your pulsing, your emotions. All of this eccentricity of one’s body, intended as in the different centers, is paradoxically held together by a magnetic force, electric. I would like to deny the bohemian aspect of this profession. Artistic genius and a disorderly life belong to third rate comic strips. The artist is a person having a strong sense of reality, of effort and hard work. ”
Eager, enthusiastic, almost in disbelief, the Gigawatt artists are ready to grasp the best the New York experience has to offer them. The street-art genius Davide Eron Salvadei, is already known in New York: in 2000 he created a series of drawings for the clothing line “OUTLINEZ" together with Phase 2, the artist who in 1970, invented street writing. Davide, who received the prize for "Untitled", explains his artwork: “like most of my artworks made with spray paint on canvas, I started by transforming an instinctive gesture, almost naive, typical of infantile expression, into a concrete, tangible elements in close relation with the real context: reaching in this way a ‘trait d’union’, a link between drawing and reality where thoughts and physical laws interact with one another becoming complementary and compatible”. The artist Rocco Dubbini has a privileged relationship with the concept of energy, capable of overcoming all the barriers and of surpassing national borders. “Termosifone acceso” was the artwork awarded by Terna. “I am interested in the concept of a heater that becomes an archetype –he explains- something that is invested of a value that becomes absolute in the temporal sense. In this case, however, since the heater is made of burning wax, it is consumed in no way sublimating the concept of eternity inherent to the archetype”. Riccardo Albanese, who was awarded for "Untitled" , a plumed windmill of wonders, rather than a swastika, loves to observe “ the constant elements of human behavior that are manifested in everyday reality, on the street, in work places, in a forest, anywhere. Everything that remains constant and unchanged over the centuries and which is repeated harmoniously in time, in the good and evil. I strongly believe in my instinct – he explains – and I follow it blindly, I observe situations of all kinds, then I forget them and suddenly, out of the blue, my ideas become very clear and then I put them into practice, materializing them. The artwork represents an oxymoron, two contrasting statements that lead to the same conclusion, a swastika and wings, one the symbol of tyranny , the other a symbol of freedom. Everything that makes you feel free makes you a slave, more equal freedom is slavery for others, the other facet of democracy, the motor of time”. Experience, observation, imagination, instead, are the key words to define Giovanni Ozzola’s artistic research, awarded by Terna for the photograph “Two stories addiction". “I always start with an image, or better yet, with an epiphany. After the vision - he explains- it is then only a question of giving shape to one’s work. I am not interested in technique and means. I aim at results. It is, however, true that when one uses a certain means, you must respect it and know it, but always considering that the means is not the end”. Gabriele Giugni is also a traveller and an attentive observer and has worked on many photo reports from India, Bolivia, Kashmir and Burma. “My work is not only based on photography, but on the supports – explains Gabriele, describing his work- I usually use the paper on which I print or the material to which I apply the photograph. In the case of Kumbh-mela night the photograph is lit from behind, a technique I have used since my first exhibit in 2006. It has become my signature and I like it because it breaks the typical limiting bi-dimensionality of photography. Thanks to light the photograph acquires something else: a certain depth, new space. Besides just taking the picture, I tried in this case to pull out the sense of vagrancy, of exodus and of boundlessness facing man”. Old in his soul, but young in his body is the way Gabriele Bonato likes to define himself, a Benjamin Button of contemporary art who loves to experiment with the connection between spirit and matter. “The artwork is made of oil and tempera on canvas – explains the artist awarded for “Energia: soffio vitale", an original oil on canvas. I started with the theme of energy, as a source or primary cause of every vital manifestation that is incarnate in matter. Then I moved on to the idea of proposing a philosophical image on the concept of love, light and sublime energy using means and materials that are visually connected to the project. I then created an installation in continuous transformation: two lights, one turned on, the other off, tied to each other by primordial matter, similar to a root, a stone”.
Elena Baldelli, Laura Cantarella, Raffaela Mariniello: the other half of the Apple. Suspended “in the luminous fluidity of air and water”, like the very young Elena Baldelli, or wrapped by “the destructive and generating” energy of their own creative force such as Laura Cantarella, and explosive and inquisitive behind the camera such as Raffaela Mariniello. Three examples of female contemporary art, all of which “made in Italy”. Elena Baldelli is faced with a great challenge and opportunity. Will she succeed in conquering the American public? The artwork awarded in the Gigawatt category, the light box "Rx-underwaterbreathing-#1oscillating rhythm" seems to have all the necessary requirements for achieving this success. “ The urge that created a fluctuating connection between air and water is the need- describes the artist- for a liquid identity, as I would define it, that is not only based on a sense of belonging to a local reality, namely having lived in a sea port city, it is not the body’s existence in the place where events unfold, of life experiences accompanied by humidity, but carrying an element inside one’s head and one’s body like an obsession, something felt by all those who materialize their visions through liquids, it becomes a specific poetic need”. New York represents a continuous temptation also for those who like Laura Cantarella, are accustomed to elements of strong visual impact. The free-lance photographer of architecture, territory and reporting always tries to connect the cultural world with architecture. “The artwork presented is part of a broader project – explains the artist that already exhibited in 2006, at the Pratt Institute in New York and who was selected for the Megawatt category for the photograph “Etna”. “The project entitled Topography of the Trauma, was developed with the architect Lucia Giuliano and include a series of photographs and contributions focused on locations that had suffered traumatic events. The trauma, destructive and generating energy, is a paradigm capable of explaining present urban and territorial practices. There are images which are planned and which one tries to find. The subject of the photograph presented in the contest, instead, is an “object trouvé”. Raffaela Mariniello was also affected by the Big Apple’s artistic mood. She sees more interesting opportunities in the US, “ more experienced and mature” compared to other countries. Raffaela, awarded for the Megawatt category for the photograph "Souvenir d'Italie", considers the artist as a “child that grows and never stops playing”. The artwork presented in the contest is part of an initial work begun a few years ago and still in progress. “These are images on the historical centers of Italian cities – she explains- where the transformation is highlighted of places that have become the prey of mass tourism. The creative process is based on a reflection on the urban scenery and landscape. I often take most of my pictures at sunset, mixing artificial light with natural one, in this way obtaining situations that are disorienting to our perception once they are fixed on photographic print.”
New York is New York! The centuries of individualistic expression is a sincerely western philosophy.
The CAM yesterday and today.How did the museum change New York and how did New York change the CAM?
CAM is the only museum in Chelsea, our aim is to bring exhibitions to New York which are too small in size for the huge NY museums but are exquisite in quality and create a dialogue with other cultures, New York did not change CAM but on the contrary encouraged it with its wonderful openess. Dialogue between cultures and people, where else would it be so meaningful but in front of the Chelsea Piers where people from all over the world came with the hope of freedom and survival.
The CAM has many people that appreciate it and value it. Did you expect this great success among the public and critics?
No, we come from countries where national pride and stubbornness influence the choice of curators and artists. Still we should underline, that this is New York, not America.
Do you think we can still consider New York as being the center of contemporariness, or as some believe, is the epicenter moving towards the Orient?
I do not believe that the epicenter has moved or even is moving to the Orient. The centuries of individualistic expression is a sincerely western philosophy. This courage and independance cannot evolve in cultures where art was a repetition of known designs and where the presence is dominated by material considerations. But the actual and new possibilities of exchange will be fruitful for both parts. Still, the development in Europe might challenge the dominant role of New York.
New York seems to have found the magic formula for managing the art business in the best possible way: there is a virtuous interconnection among market, art and companies. Is this really true? If so, what could you suggest to enterprises and Italian authorities for increasing their support to have young talents emerge?
Who learned from whom?? Italy is a country where art is as integrated as in New York. Corporations sponsor and buy art, hotels are proud to have original paintings and prints and the "normal" man exchanges his washing machine against a painting. But where America is stronger is their laws about tax deductibility of art acquisitions. This gives a lot of liberty and erases the dominations of curators and their preconceived ideas.
How important today is the formal quality in art?
The 68's parol: "everybody is an artist" has some hidious results still today. But anybody who has emotions and can open freely in front of an artwork distinguishes snobbism and artificial or superficial selfprojections from deeply felt expressions, even if the positiv result of this influence of the 68s is that style is no longer a tool for domination.
New York è sempre New York! I secoli di espressione individualistica sono una filosofia tipicamente occidentale.
Il CAM ieri ed oggi. Come ha cambiato il museo New York e come New York ha cambiato il CAM?
Il CAM è l’unico museo a Chelsea, il nostro scopo è di portare a New York le mostre che sono di dimensioni troppo piccole per i grandi musei di NY ma che sono squisite in termini di qualità e di creare un dialogo con le altre culture. New York non ha cambiato il CAM ma al contrario lo ha incoraggiato con la sua splendida apertura. Il dialogo tra le culture e le persone, in quale altro luogo potrebbe essere così significativo se non davanti al Chelsea Piers dove le persone sono venute da tutto il mondo con la speranza di trovare libertà e sopravvivenza?.
Il CAM ha un folto pubblico che lo apprezza e lo valuta. Vi aspettavate questo grande successo di pubblico e di critica?
No, veniamo da paese in cui l’orgoglio nazionale e la cocciutaggine influenzano la scelta dei curatori e degli artisti. E comunque dobbiamo sempre ricordare che questa è New York, non l’America.
Pensa che si possa ancora considerare New York come il centro della contemporaneità o, come crede qualcuno, l’epicentro si sta spostando verso oriente?
Non ritengo che l’epicentro si sia spostato o si stia spostando verso oriente. I secoli di espressione individualistica sono una filosofia tipicamente occidentale. Tale coraggio ed indipendenza non possono evolversi in culture dove l’arte è stata una ripetizione di soggetti conosciuti e dove la presenza artistica è dominata da considerazioni materiali. Ma le nuove possibilità di scambio saranno fruttuose per entrambi. E comunque, lo sviluppo che si registra in Europa, può addirittura rappresentare una sfida al ruolo dominante di New York.
New York sembra aver trovato la formula magica per gestire l’art business nel modo migliore possibile: esiste una interconnessione virtuale tra mercato, arte e impresa. E’ vero tutto questo? E che cosa suggerirebbe alle imprese ed alle autorità italiane per aumentare il loro supporto alla emersione dei giovani talenti?
Ma chi ha imparato da chi? L’Italia è un paese dove l’arte è integrata tanto quanto a New York. Le aziende sponsorizzano ed acquistano le opere, gli alberghi sono orgogliosi di avere pitture e stampe originali e l’uomo “comune” scambia la propria lavatrice per un dipinto. Ma dove l’America è più forte è nelle leggi che riguardano la detraibilità fiscale degli acquisti di opere d’arte. Questo offre molta libertà ed annulla il dominio dei curatori e delle loro idee preconfezionate.
Quanto è importante oggi la qualità formale nell’arte?
Il motto del 68: "ognuno è un artista" trova degli strani e orribili riscontri ancora oggi. Ma chiunque abbia delle emozioni e riesca ad aprirsi liberamente davanti ad un’opera d’arte riesce a distinguere lo snobismo e l’auto-proiettarsi in modo artificiale o superficiale da un’espressione profonda e sentita, anche se il risultato positivo dell’influenza del 68 è che lo stile non rappresenta più uno strumento di dominio.
“Channeling the past while throwing off the burden”. The Till Fellrath’s receipe for a new Italian art challenge
CAM represents the temple of New York contemporary art; a launching pad for some, the definitive consecration for others. How many artists owe their success and popularity to you?
CAM represents a special place in the NYC art scene because we make a point of showing artists from under-represented regions of the world, and artists that are good who do not find a home in the bigger museums which feature already established artists. We do our best to foster and promote emerging talent from around the world, and though we can't say that artists owe their success or popularity to us, we do like to believe we've played an instrumental role in their future success.
CAM invited the winners of the Terna Prize 01 to exhibit their artworks. How was this idea created and what struck you about the Prize?
What struck me about the prize was the timeliness of it. There are prizes for all sorts of things these days but very few which promote art from one specific region. I think if there were more support for artists like this in other regions we would be seeing a lot more international art in other forums in North America and NYC.
What do you think about the Italian contemporary art scene? Do you have a favorite artist?
The Italian contemporary art scene has the burden of constantly having to define itself on the premises of the past. Italy has endowed the world with a lot of art historical references which the Western world has used as fodder for art. The challenge now is for Italian artists to channel the past while throwing off the burden, in order to create something fresh and new. Of course the retrospective of Piero Manzoni at Gagosian, not contemporary but relevant, has thrown Italian contemporary artists into the spotlight again.
During the last edition of the Art Fair in Basel, those working in the art sector complained about the fewer presence of oils on canvas with respect to the large amount of other types of supports. Why has there been this reverse trend, is something changing in the market and in the collectors’ tastes?
Something is always changing in the art market and in collector's tastes, but I think the reverse is true; that there is a return to painting now as other media, like video, have pretty much taken over the spotlight for a long time, and perhaps run its course. Things will always change but good work will always remain good work; regardless of the medium used by artists to create their work.
Do you feel that art is still contributing to developing a greater critical awareness and if so, in which ways and forms?
I'm not sure if art is contributing to a "critical" awareness, but it definitely contributes to a greater general awareness and an evolution in man and therefore society. There's a book called The Alphabet Versus The Goddess by Dr. Leonard Schlain which outlines this shift in society that occurs when we become more visual (art oriented).
“Buttarsi alle spalle il superfluo del passato”. La ricetta di Till Fellrath per una nuova sfida nell’arte italiana
Il CAM rappresenta un po’ il tempio dell’arte contemporanea newyorkese: un trampolino di lancio per alcuni, la definitiva consacrazione per altri. Quanti artisti le devono successo e popolarità?
Il CAM rappresenta un luogo speciale nel panorama artistico newyorkese in quanto per noi è importante esporre gli artisti che provengono da regioni del mondo che sono scarsamente rappresentate ed artisti bravi che non trovano uno spazio nei grandi musei che esibiscono solo le opere degli artisti famosi. Facciamo del nostro meglio per promuovere ed incoraggiare i talenti emergenti provenienti da tutto il mondo ed anche se non possiamo affermare che gli artisti debbano a noi il loro successo e la loro popolarità, ci piace credere di aver interpretato un ruolo strumentale nel loro successo futuro.
Il CAM ha invitato i vincitori del Premio Terna 01 ad esporre le proprie opere. Come è nata questa idea e cosa vi ha colpito del Premio?
Quello che mi ha colpito del premio è stata la sua perfetta collocazione temporale. Vi sono premi di tutti i tipi ai giorni nostri ma ve ne sono molto pochi che promuovono l’arte proveniente da una regione specifica. Penso che se ci fosse un maggior sostegno agli artisti di altre regioni del mondo, come quello offerto da questo premio, vedremmo molta più arte internazionale nelle altre sedi artistiche dell’America del nord e di NYC.
Cosa pensa del panorama artistico contemporaneo italiano? C’è qualche artista che predilige?
Il panorama artistico contemporaneo italiano ha il peso di doversi costantemente ridefinire sulla base del passato. L’Italia ha arricchito il mondo con molti riferimenti artistici storici che il mondo occidentale ha usato come foraggio per l’arte. La sfida per gli artisti italiani, ora, è di canalizzare il passato scrollandosi di dosso quel peso, per poter creare qualcosa di fresco e di nuovo. Ovviamente, la retrospettiva di Piero Manzoni alla Gagosian Gallery, non contemporanea ma comunque attinente, ha di nuovo messo gli artisti contemporanei italiani sotto i riflettori.
Nell’ultima edizione della Fiera d’arte di Basilea gli addetti ai lavori hanno lamentato la sempre più debole presenza di olii su tela a favore di altri supporti. Perché questa inversione di tendenza, sta cambiando qualcosa nel mercato e nei gusti dei collezionisti?
C’è sempre qualcosa che cambia nel mercato artistico e nei gusti dei collezionisti, ma penso che in realtà sia il contrario; cioè che vi sia un ritorno alla pittura ora, in quanto gli altri media, come i video, hanno avuto la scena tutta per loro per un lungo periodo di tempo ed hanno quasi fatto il loro tempo. Le cose cambiano sempre ma le cose buone rimangono buone nel tempo a prescindere dal mezzo usato dal’artista per creare il suo lavoro.
Secondo lei, l'arte contribuisce ancora a sviluppare una maggiore coscienza critica e, se sì, in che modo e con quali forme?
Non sono del tutto sicuro che l’arte riesca a sviluppare una vera coscienza critica, ma contribuisce senz’altro a creare una coscienza generale ed un’evoluzione all’interno dell’uomo e pertanto della società. C’è un libro intitolato “The Alphabet Versus The Goddess” di Leonard Schlain che mette in risalto il cambiamento nella società che avviene quando gli uomini diventano maggiormente orientati al visivo e quindi all’arte.
Sam Bardouil and the “aesthetic of aggression” curator of CAM
“New York is all about new beginnings the American dream made personal. It is this search for self reinvention that gives new York contemporariness with an edge, I call it, an aesthetic of aggression”
Could you indicate three essential elements for you in evaluating a contemporary artist?
Relevance to current affairs, ability to reinvent or reintroduce historical references in art practice, attitude.
Exhibiting one’s artworks at the CAM: a dream for a young artist, but practically speaking, what kind of “plus” could this be for an emerging artist’s resume?
It introduces the artist to the new york community through an established contemporary art museum
How is the dream of New York contemporariness expressed today in the world?
New York is all about new beginnings, the American dream made personal. It is this search for self reinvention that gives new York contemporariness with an edge, I call it, an aesthetic of aggression, that you find nowhere else in the world
Globalization: do you feel this has also become evident in art and if so, which are the most interesting themes and trends of contemporary art?
McDonalds and MTV 15 years ago. twitter rules now. facebook: eat your heart out. Does this sound Global enough? Assuming that there are certain trends permeating contemporary art is like asking whether there is a pink elephant in the room. the trends are obvious only when they are relevant and relevance is extremely subjective!
Had you already heard about the Terna Prize? If so, do you think it could provide a cultural jolt to the art system in Italy?
I heard about it from my connections to the Italian art scene through my work in the past with the Fondazione Volume in Rome. It will bring about a certain positive competitiveness amongst an aspiring generation that will hopefully lead to more innovative work.
